Пластик Art Ink Plastik, формат 50х65см

ДОСТАВКА:

• Доставка по г. Екатеринбургу ОПЛАЧЕННЫХ на сайте заказов осуществляется день-в-день (на следующий день) курьерской службой Достависта, стоимость доставки зависит от адреса. Посчитать можно на сайте https://ekb.dostavista.ru/, выбрав адрес отправки Мельникова 27. Доставка оплачивается курьеру по прибытию наличными.

• Доставка по г. Екатеринбургу с ОПЛАТОЙ ЗАКАЗОВ ПРИ ПОЛУЧЕНИИ осуществляется СДЕК, стоимость до двери (до 3х кг посылка 20*20*25) — 270 р, стоимость до Пункта СДЕК — 130 р, к доставке прибавляется сумма наложенного плтажа, которая составляет 4% от стоимости заказа. Срок такой доставки — 2 дня.
• Доставка по всей территории России осуществляется СДЕК, рассчитывается в зависимости от города, веса в калькуляторе на сайте. Вы можете оплатить доставку вместе с заказом на сайте при помощи банковской карты, Сбербанк Онлайн, Яндекс Деньги. Также можно оплатить доставку и сумму заказа при получении в другом городе, в этом случае наложенный платеж составит 4% от суммы заказа.

• В Регионы, где нет СДЕК отправляем ОПЛАЧЕННЫЕ заказы Почтой России, стоимость доставки рассчитывается индивидуально и оплачивается Покупателем посредством отправленной на электронный адрес ссылки, отправка на следующий день после оплаты.

• Наша компания осуществляет доставку по всей территории России, Казахстана и СНГ через Траспортные Компании (ТК), до транспортной компании заказ до 100 кг довозим бесплатно. Стоимость доставки вы можете рассчитать самостоятельно на сайте Транспортной Компании или же связаться с нашим менеджером по электронной почте [email protected].

Доставка осуществляется следующими ТК:

•  Калькулятор перевозки ТК Экспресс-Авто
•  Калькулято перевозки ТК Деловые Линии
•  ТК КИТ
•  Калькулятор перевозки ТК Энергия

  Компания АртХаус активно развивается в таких регионах, как: Красноярский край, Приморский край, Пермский край, Тюменская область, ХМАО, Курганская область, Челябинская область и Хабаровский край. Поэтому доставка здесь осуществляется быстрее.

  Москва	Волгоград	Пермь	Красноярск	Воронеж	Нефтеюганск
  Санкт-Петербург	Саратов	Краснодар	Тольятти	Ижевск	Нижний Тагил
  Новосибирск	Ульяновск	Ярославль	Магнитогорск	Владивосток	Чайковский
  Сургут	Иркутск	Тюмень	Тобольск	Хабаровск	Кемерово
  Нижний Новгород	Рязань	Томск	Пенза	Астрахань	Ростов-на Дону
  Самара	Новокузнецк	Соликамск	Миасс	Оренбург	Барнаул
  Омск	Казань	Челябинск	Уфа	Орск	Березники

                  

Все расходы, связанные с доставкой товара (заказ, возврат, обмен и т. д.), оплачивает покупатель. 
Магазин Art-House не несет ответственности за действия или бездействие служб доставки. Обязательства магазина Art-House перед покупателем считаются выполненным в полном объеме с момента передачи заказа в выбранную заказчиком службу доставки. Дальнейшие претензии по срокам доставки, утрате или порче груза целеком лежат на службе доставки. 

Я вырастил грибы: как суперматериалы будущего поедают пластик

О том, как взять технологии у природы и воспользоваться ими для создания циклов безотходного производства и потребления, рассказывает Анна Урнова, генеральный директор Московского центра урбанистики

Большинство продуктов, которые мы производим и используем, следуют линейной модели жизненного цикла, превращаясь в отходы, когда срок их службы заканчивается. Многое из того, чем мы ежедневно пользуемся, рассчитано на одноразовое потребление: 95% пластиковой упаковки выбрасывается после однократного использования. 12 млн т пластика каждый год выбрасываются в океан.

Реальная альтернатива — мир новых саморазлагающихся материалов, где в течении всего жизненного цикла продукта не нужны ни большие затраты энергии, ни вредные красители, а требуются лишь воображение и понимание биологии и процессов в природе.

Вся биомасса вокруг нас — живое, умирающее и создающее среду обитания — это обширное и непрерывное производство материалов. В лесах нет свалок, в океане нет сточных вод: организмы знают, как получать, использовать, расщеплять вещества и использовать снова. И мы можем воспользоваться этим знанием.

Нулевой отход

Чтобы произвести пластиковую упаковку, например, из полистирола или пенопласта, нужно затратить нефть и природный газ, известные своими высокоэнергетическими методами извлечения. При утилизации снова нужна энергия, иначе упаковка будет более 500 лет разлагается в земле или плавать с морским мусором в океане.

Та же упаковка из мицелия — композитного материала на основе грибницы — выращивается при комнатной температуре на органических отходах сельского хозяйства, затрачивая на 40% меньше энергии, чем производство из пластика. Чтобы ее утилизировать, энергии практически не нужно: более того, вы можете использовать мицеливый мусор в качестве натурального удобрения для сельскохозяйственной деятельности: отходы от одного вида деятельности становятся сырьем для другого.

Таким образом, вы не оставили после себя токсичные химические вещества, пластик или другие отходы, а получили полностью биоразлагаемый субстрат, который фактически питает естественные процессы и формирует почвы.

Использовать мицелиевый стаканчик вместо пластикового — это не попытка уничтожить «токсичный» материал, а попытка сделать его саморазлагаемым: мицелий способен «есть» пластиковые отходы и увеличивать скорость разложения пластиковых масс с 1 000 лет до десятков.

Выращиваете ли вы мицелиевый бекон или кожзам, вы делаете это без участия животных и с минимумом углеродного следа. Более того, биоматериалы потенциально могут быть углеродно-отрицательными, поскольку растения и организмы удаляют CO₂ из атмосферы, пока они живы, и накапливают его в своих клетках.

Почему мицелий — это суперматериал будущего?

Мицелий — это вегетативный корень грибов, который поглощает питательные вещества из органического вещества и связывает их. Мицелий похож на тончайшие корни с перепончатыми, ветвящимися нитями клеток — гифами. Из них образуются уникальные сети, способные противостоять воде, распаду, внутреннему или внешнему давлению.

Грибы развивались в течение миллионов лет и научились строить сложные и устойчивые структуры: они естественным образом и разумно разветвляются, распространяются в любую форму, максимизируя площадь поверхности с минимальной тратой энергии.

Стенки мицелиальных клеток усилены хитином, из которого сделаны раковины насекомых.

Прочные клеточные стенки плюс тканая структура плюс способность к «самособиранию» — мы получаем суперматериал будущего. Уникальное свойство мицелия — воспроизводить «архитектуру» заданной формы — позволяет нам задавать грибам любые параметры и формы, которые они будут самостоятельно заполнять.

Существуют миллионы видов грибов, что означает огромное количество возможных материалов с различными потенциальными качествами. Некоторые штаммы, например, умеют сохранять свою форму даже после длительного давления или изгиба. Другие — способны держать цвет или демонстрировать определенную текстуру.

Свойства материала зависят от того, какую смесь для субстрата вы взяли, какой вид грибов используете, и какие условия окружающей среды создали для роста. Кроме того, мицеливый материал может быть сформирован с использованием опалубки, а также аддитивных технологий.

Производя, например, параллельные волокна мицелия, которые имитируют мышечные ткани, можно сделать бекон.

От арт-объектов — к массовому потреблению

У грибов есть способность расщеплять разные вещества, в том числе и вредные отходы, они могут помочь очистить токсичный мусор и загрязненную почву. Во время Лондонского фестиваля дизайна компания Blast Studio продемонстрировала процесс поедания грибницей переработанных картонных стаканчиков и коробок для пиццы, из которых тут же «напечатали» новые предметы мебели при помощи 3D-принтера.

Грибы — это еще не мейнстрим, но рост этого сектора будет взрывным. Сейчас мицеливое производство быстро развивается в сегменте дизайна: мицелий — это живое существо, поэтому для уникальных авторских предметов он дает бесконечные возможности: каждый раз вы получаете новые фактуры и цвета, и у вас нет двух одинаковых объектов.

Для получения нужного цвета, чтобы не отравлять природу побочными продуктами химического окрашивания, можно использовать сами «живые системы» — микроорганизмы, бактерии, продуцирующие пигмент. Бактериальные колонии помогают окрашивать изделия в разные цвета и настраивать их, варьируя вид и среду роста. Такой подход создает яркие интересные узоры, и получается продукт, полностью созданный природой.

Потенциально сама технология позволяет выращивать мицелиевые материалы в объемах, которые могли бы трансформировать целые отрасли. Грибы можно использовать для всего: от бытовой изоляции до мебели и упаковки, заменяя пластмассы, пенополистирол и другие материалы, которые трудно перерабатываются и вредны для окружающей среды.

Мицелий — это альтернатива одноразовому пластику: уже сегодня компания Ecovative, наладившая «грибное» производство в промышленных масштабах, предлагает замену предметам из сферы упаковки и индустрии красоты, вроде спонжей и тапочек — приятные на ощупь мицелиевые аналоги, которые можно компостировать в домашних условиях.

Сейчас на рынке такой продукции можно встретить интересные нишевые предложения — от шумозащитных панелей для звукозаписывающих студий до саморазлагающихся мицелиевых гробов. Постепенно продукты на основе грибницы проникают и в область строительных материалов, например, напольных покрытий.

На факультете архитектуры Университета штата Пенсильвания придумали соединить мицелий и натяжные конструкции, вроде канатов, чтобы «выращивать» крупномасштабные архитектурные сооружения, напоминающие сетчатые оболочки и строительные леса. Впервые архитектура получилась полностью биоразлагаемой.

Когда грибы станут мейнстримом?

Сегодня грибы вовлечены в основном в медицину, здравоохранение и продовольственный сектор. Сейчас, например, в тренде городские грибные фермы, холодильники со свежими вешенками и шампиньонами, которые выращиваются прямо в ресторанах. Жители корейского Сеула разводят грибы в подвалах своих жилых домов, используя для них компост из пищевых отходов.

В течении ближайших лет можно ожидать массового проникновения технологий на основе мицелия в другие сферы экономики — промышленность и производство, а также борьбу с загрязнением, отходами и изменением климата. Но чтобы сделать производство продукта из мицелия экономически эффективным и масштабируемым, понадобится интеграция и сотрудничество несколько отраслей промышленности, которые будут запрашивать эти материалы.

Тем не менее, большая часть мира грибов еще не исследована. Есть такая «мегасайенс» — микология, которой довольно долго пренебрегали. Сейчас исследовательский потенциал реализуется на базе университетских лабораторий — в США, Великобритании, Голландии в таких центрах формируется новое поколение биодизайнеров, которые умеют работать не просто с внешним видом продукта, но и учитывать биологические качества и «повадки» материала. В России таких специалистов пока не появилось.

В Московском центре урбанистики есть «зеленое» направление — «Экостейшн», занимающееся устойчивым развитием территорий и бизнесов. Внутри него мы открыли первую в России лабораторию по изучению свойств мицелиевого материала для производства потребительских товаров, свой цех 3D-печати продуктов и маркетплейс.

Сегодня мир стоит на пороге революции в подходах к дизайну и переосмысления самого понятия отходов: любой остаток материала может быть реинтегрирован в процесс кругового проектирования за счет использования его собственных природных свойств. Мы еще не используем весь потенциал мицелия, который является ключевым в процессе естественного «пищеварения» — превращает мертвое органическое вещество в питательные вещества, которые образуют почву, и участвует в хранении гигатонн углерода в этой почве. Но технологически сделан уже большой шаг к циклической экономике, которая стремится свести количество отходов к нулю, как в самой природе: «мусор» одного организма становится ресурсом другого, и эта экосистема заставляет каждый лес постоянно поддерживать «обмен веществ».

«Он вколол мне чертов жир в лицо» — Вера Алентова выпустила автобиографию под названием «Все не случайно»

Фото: «Москва слезам не верит»

79-летняя актриса подробно рассказала о своем творческом пути, трагедиях и о пластических операциях. Несколько лет назад фанаты заметили, что Алентова сильно изменилась. Поползли слухи о пластике.

«Я четыре раза обращалась к пластике — и всегда удачно, — прокомментировала подозрения актриса. — В основном мне нужно было что-то подправить, когда я готовилась к съемкам. Однажды я поехала в другой город к врачу с совсем другой проблемой, которой не занимались в Москве. Оказалось, что врач ко всему прочему делает и пластику лица. Но пластику не обычную, а, по его словам, новейшую: он вкалывает ваш собственный жир вам в лицо и считает, что стареющему лицу это на пользу, поскольку с возрастом лица худеют. Чтобы его не обижать и прекратить разговор на эту тему, поскольку я приехала по другому поводу, я сказала: «Ну, может быть». Доктор понял эти слова по-своему: он решил, что я на его уговоры согласилась, и вколол мне чертов жир в лицо. Когда я пришла в себя после наркоза и увидела этот ужас, я подумала, что мне лучше прямо здесь и умереть».

Лицо звезды заметно деформировалось. Дочь советовала Алентовой на время отказаться от гастролей, но та не могла «подвести своего зрителя». «Весь этот жир сдвинул мои черты, утяжелив нижнюю часть, и мне стало страшно смотреться в зеркало, — продолжила знаменитость. — Лицо приходило в себя долго и постепенно. Понадобилось два года, чтобы оно начало приобретать прежние черты. Мы пытались дозвониться доктору и узнать, что там еще кроме жира он мне вколол, потому что жир, говорят, уходит через год, а у меня, несмотря на массажи, не уходило ничего. Я не стала подавать на клинику в суд, хотя и считаю, что врач должен понести суровое наказание за подобный непрофессионализм. Кстати, неудачной пластикой дело не ограничилось: в той самой клинике меня еще и ограбили, вытащив все деньги из кошелька».

Несмотря на неудачный опыт, актриса не разочаровалась в пластической хирургии. Наоборот, подобные манипуляции она считает спасением для людей, которые борются с признаками старения.

«Человек может объективно понимать, что существуют люди, внешность которых может быть более приятна окружающим, и они к этому относятся спокойно, — комментирует нейропсихолог Ольга Войтехович. — Но есть те, для кого вопрос внешности достаточно болезненный. Почему так происходит? Важно, как складывались отношения с родителями в детстве. Получил ли ребенок достаточно любви, поддержки, признания — одним словом, эмоциональных поглаживаний. На первый план выходит диалог с родителем противоположного пола. У ребенка, который не раз ловил восхищенные взгляды родителей, больше шансов иметь здоровое отношение к своей внешности. В жизни мы на самом деле не так уж много смотрим на себя или свое отражение в зеркале. Большую часть времени мы любуемся другими. Совсем маленьких детей вопрос внешности не интересует в принципе. А вот взрослым людям присуща привычка сравнивать себя с теми, кто рядом. Красота нужна нам не сама по себе, а для чего-то. Кто-то считает, что она поможет стать более успешным в карьере, кто-то надеется привлечь лучшего партнера, кто-то верит, что так незнакомые люди легче пойдут на контакт, будет больше друзей и уважения… Если у человека врожденная деформация, от которой с помощью хирурга удается избавиться, — это настоящее счастье и большой толчок, вдохновение для новой жизни. Если это мечта, которая воплотилась в жизнь, и человека больше не тянет к порогу клиники, значит и тут все прошло хорошо. Но бывает, что люди «подсаживаются» на манипуляции с телом, это становится наркотиком. Есть в психологии такое понятие, как сдвиг мотива на цель. Человек, пытаясь решить какую-то проблему, ставит перед собой цель изменить внешность. То есть сама операция — цель, шаг к удовлетворению определенной потребности (быть любимым, уважаемым, получить внимание, уверенность в себе и другое), а мотив (неудовлетворенная потребность или причина) — желание изменить жизнь в лучшую сторону.

Но порой люди так увлекаются погоней за целью, что забывают, ради чего они все это делают. Операции замещают изначальную мотивацию к изменениям. Человек втягивается в игру и даже ловит «кайф». В понимании некоторых красивых женщин они недостаточно хороши для чего-то. Тут нужно понимать мотив и цель человека. Хорошо бы сначала побеседовать с психологом и ответить самому себе: зачем мне все это? Найти партнера? Построить карьеру? Доказать что-то кому-то, а может, самому себе? Почему так важно найти ответ еще на старте? Ведь если новый нос, губы или грудь не помогут вам стать счастливыми, что вы будете делать? Получится ли у вас принять это страшное разочарование?»

Кстати, учеными под руководством Вилейанура Рамачандранда был проведен интересный опыт. Группе крыс с целью обучения выделению конкретного предмета показывали геометрические фигуры (квадрат и прямоугольник), и каждый раз, когда подопытные подходили к прямоугольнику, их поощряли угощением. Как известно, крысы быстро учатся. Спустя некоторое время грызуны поняли: чтобы получить лакомство, надо выбирать прямоугольник.

На следующем этапе в числе фигур предлагалось уже несколько прямоугольников, отличающихся пропорциями. Крысы, как по команде, сразу бежали к прямоугольнику, который имел более яркие признаки «прямоугольности» по сравнению с другими вариантами, — к самому вытянутому, не похожему на квадрат. Этот эффект был назван «максимальное смещение».

Похожие бессознательные реакции в определенной степени присущи и людям. По аналогии и в соответствии с этим принципом мы воспринимаем красивыми те женские черты, которые максимально отличаются от мужских. И тогда понятно, почему (если полные губы — отличительный признак) женщины стараются их максимально увеличить, чтобы привлечь к себе больше внимания. То же касается размера бюста и других особенностей фигуры.

«Роскошные четвероногие» готовы вырваться из «конюшни» Омского музея Врубеля | Последние Новости Омска и Омской области

С 26 февраля в Генерал-губернаторском дворце начинает свою работу крупная долговременная экспозиция главного областного хранилища искусств. Омичам предложат к осмотру около 200 произведений живописи, графики, скульптуры, предметов декоративно-прикладного искусства (мебель, часы, канделябры, вазы) конца XVI–XX веков с анималистическими образами из собраний музеев, а также работы современных художников России и Казахстана.

Для создания проекта привлечено три местных музея, кафедра «Дизайн костюма» ОмГТУ, Омская Арт-резиденция, художники России и Казахстана. Врубелевцы обладают значительной коллекцией мебели конца XVI — начала XX века из аристократических интерьеров. Каждый из этих предметов — настоящее произведение декоративно-прикладного искусства, призванное подчеркнуть вкус, состояние и благородство их владельца.

Такую же представительскую функцию несли, например, каменные львы у крыльца дома, живые породистые лошади и собаки. Роскошные четвероногие окружали аристократа везде и на главной забаве — охоте. Наиболее выдающиеся трофеи в виде чучел также перемещались в дом — как символы силы и сноровки его хозяина.

Поэтому неслучайно предметы мебели зачастую имеют зооморфные черты — то очевидные, то ассоциативные. Львиные лапы и головы, оленьи ноги и рога, чешуя дракона и крылья грифона, пластика пантеры и поступь слона — всем этим вдохновлялись мастера самых разных профессий — столяры, резчики, литейщики, чеканщики и даже живописцы, — создавая яркие художественные образы в, казалось бы, утилитарных вещах. Этим они как бы оживляли бездушную материю и наполняли ею пространство дома.

Главные герои выставки, разместившейся в четырех залах Генерал-губернаторского дворца, — как раз такая диковинная мебель. В числе экспонатов — тронное кресло императрицы Александры Федоровны с подлокотниками в виде слонов и серебряными фантастическими львами; кресла, столики, часы, шкафы с ножками-лапами, кресла с подлокотниками, представляющими фигуры лебедей, китайские вазы, украшенные мифическими драконами, и многое другое.

Роскошные четвероногие не только тешили тщеславие их владельцев, но и неизбежно будили воображение маленьких обитателей аристократических столовых, спален и гостиных. Дети росли в чудесном пространстве, населенном диковинными животными, которые только притворяются, что они шкаф, кресло, диван: вон же львиные ноги!

Выставка, как уверяют организаторы, об этом чуде превращения. Мы делаем попытку оживить старинные предметы, выявить их звериную сущность, заложенную мастерами прошлых веков. И, чтобы это чудо произошло, выставку дополнили живописные, графические, скульптурные и декоративные изображения в анималистическом жанре, созданные мастерами прошлого и настоящего.

Фото предоставлено музеем Врубеля

Пластическое искусство: определение: скульптура, керамика, ювелирное дело

ФОРМЫ РЕЗЬБЫ Различные типы трехмерной резьбы/литья см.: Каменная скульптура Гранит, известняк, песчаник и другие типы горных пород. Мраморная скульптура Пентеликский, Каррарский, Парийский мрамор. Резьба по дереву Резьба по стружке, рельефная резьба по хвойным и лиственным породам. Бронзовая скульптура Метод литья по выплавляемым моделям и другие. ВИДЫ ИСКУССТВА Произведения искусства, сделанные из утилизированных материалов, см.: Художественный хлам. Для живописи/скульптуры, созданной художниками вне мейнстрима, см.: Outsider Art. О работах душевнобольных см.: Art Brut. ЧТО ТАКОЕ ИСКУССТВО? Для объяснения эстетических проблем, связанных с изобразительным искусством, включая «пластических» дисциплин, см.: Искусство, определение, значение. МИРА ЛУЧШЕЕ ИСКУССТВО Чтобы узнать о лучших 3D-произведениях, см.: Величайшие скульптуры всех времен.

Проблемы определения Неясно, означает ли пластические искусства могут быть расширены, чтобы включить все формы трехмерного искусство, или только те, которые были пластифицированы или сформированы. Например, некоторые авторитеты, по-видимому, включают такие дисциплины, как архитектура ( прикладного искусства), гравюры и кино в рамках общая категория.Если бы эти виды деятельности были включены, они бы быть аномалиями. (См. также: Виды искусства.) История пластических искусств Происхождение этой категории должно быть обнаружены в очень примитивных доисторических скульптура ашельской культуры нижнего палеолита, экз. гуманоидным чучелом — Венерой Берехат Рам (230-700 000 до н.э.). Примеры из верхнего палеолита включают два известных примера слоновой кости резьба, известная как Лев Человек из Холенштейна Штадель (38000 г. до н.э.) и Венера Холе-Фельс (ок.38-33000 г. до н.э.), а также найденные резные фигурки в швабской Юре (ок. 33 000–30 000 до н. Э.) И керамическая Венера Долни Вестонице (около 25 000 г. до н.э.). Древняя керамика преобладает Восточная Азия. Самый старый известный пример в мире — Xianrendong. Пещерная керамика (около 18000 г. до н.э.) из провинции Цзянси, Китай. Другие древние Китайская керамика включает черепки, найденные в Ючаняне Пещера (16000 г. до н.э.) в провинции Хунань. Крупнейшее открытие пластика когда-либо созданное искусство — это клад терракоты скульптура династии Цинь, известная как китайская Терракотовая армия (ок.210 г. до н.э.), из провинции Шэньси. Создано во время эпоха искусства династии Цинь (221-206 гг. до н.э.), по оценкам ученых, на создание и участие ушло 38 лет. рабочая сила 700 000 человек. Еще одна традиционная форма пластического искусства из Китая, резьба по нефриту: в Дальневосточный нефрит так же дорог, как золото, серебро или бриллианты.

Фантастическое искусство из переработанного пластика: интервью с Дэвидом Эдгаром

Кори: Есть ли какой-то тип контейнера, который вам нравится находить?

Дэвид: Я предпочитаю работать с цветными контейнерами для белья из HDPE (переработка №2). Сам цвет не меняю. Эти продукты бывают самых разных оттенков. Некоторые цвета труднее найти, чем другие.

Кори: Какой твой любимый инструмент?

Дэвид: Я использовал ножницы Fiskars с трехдюймовым лезвием с покрытием из нитрида титана и прямыми ручками с пружинным открыванием. Он режет полиэтилен высокой плотности, как ножницы режет бумагу.

Кори: Как вы и Робин (жена Дэвида, которая учит писать) попали в Народную школу?

Дэвид: Моя подруга, Мэри Бранденбург, преподаватель народной школы плетения, посоветовала мне подать заявку на преподавание курса металлообработки.Меня приняли и поместили в каталог 1998 года. Когда я рассказал Робин, в то время профессиональному миму, о преподавании в Народной школе, она связалась с ними, чтобы узнать, заинтересуются ли они ее преподаванием пантомимы. Как оказалось, в августе 1996 года нас обоих пригласили стать инструкторами в народной школе Little Middle. Около трех лет я преподавал «Мультимедийная скульптура» , а Робин преподавал «Мим: основы» в Little Middle.

Мы ведем занятия для взрослых с 2004 года.Я переключился на преподавание Фантастический переработанный пластик , а Робин разработала первый курс жизнеописания Народной школы (теперь он называется Превращение приятных воспоминаний в семейные истории ).

Кори: Кто является идеальным учеником для вашего класса? Расскажите, какие проекты учащиеся создают в вашем классе?

Дэвид: Любой, у кого есть базовые навыки координации глаз и рук, сможет выполнять не менее двух проектов в день.Они могут делать носимые булавки, маленьких существ и более масштабные настенные витрины, изучая инструменты и методы работы с материалом. Это отличный набор навыков для учителей рисования в любой школьной среде.

Агенты перемен: пластик. Или как пластик стал материалом, определяющим эпоху

Пластиковые пионеры

Вхождение пластических материалов в мир искусства произошло в те же годы, когда развивались авангардные движения, но в основном благодаря экспериментированию с формалистическим потенциалом материала художниками-рационалистами, изначально входившими в состав конструктивистское движение, затем участвующие актеры Баухауза.
В первую очередь русский Наум Габо плыл по неизведанным водам синтетических материалов с экспериментальным использованием целлулоида, коммерческого названия нитрата целлюлозы: инновационного продукта, изготовленного из химически обработанного хлопка, которому можно было легко придать множество форм. Вдохновленный его легкостью и прозрачностью, а также простотой обработки, Наум Габо начал использовать целлулоид для построения своих трехмерных произведений искусства, пытаясь исследовать все возможные оптические эффекты, яркость, прозрачность и проницаемость нового материала.Хотя первые задокументированные работы датируются 1916 годом, художник уже создавал скульптуры с частями из этого нового и необычного материала в предыдущие годы.

К сожалению, целлулоид, особенно в первые дни его производства, оказался нестабильным продуктом, и большая часть ранних работ Габо была полностью утеряна из-за износа. Когда несколько лет спустя на рынке появился ацетат целлюлозы, Габо сразу же воспользовался этой возможностью и использовал этот новый, более стабильный материал для своего «Конструкции в космосе» , полностью отказавшись от целлулоида.
Для Габо сама идея скульптуры имела большее значение, чем ее материальность или даже представление о том, что она сделана рукой художника: он не придавал особого значения понятию «оригинальности». Фактически, большинство работ Габо, которыми мы можем восхищаться сегодня в музеях, были реконструированы с нуля или перестроены самим художником. Он сделал двадцать шесть версий Linear Construction in Space No. и семнадцать версий Linear Construction in Space No.1 .

На протяжении всей своей жизни Наум Габо с неиссякаемым энтузиазмом и творчеством экспериментировал с новыми пластическими материалами, постепенно доступными благодаря технологиям, всегда в сопровождении своего брата Антуана Певзнера, сторонника конструктивистских принципов и самого всемирно известного художника.
В середине 1930-х Габо начал использовать то, что было коммерчески известно как плексиглас или оргстекло, которое ему удалось получить еще до того, как оно появилось на рынке, благодаря его знакомству с директором британской промышленности, которая его изобрела.
Наконец, в 1942 году он открыл потенциал нейлона, недавно разработанного синтетического материала в виде волокон и нитей, который с этого момента он систематически использовал в своей работе. Габо полностью превратил художника в современного техника, который пользуется линейкой и циркулем и точно следует принципам техники. Он писал: «Мы строим нашу работу, как вселенная строит свою, как инженер строит свои мосты, как математик — свои формулы орбит».

Антуан Певзнер, Голова , c.1923-4 © ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2020. C-BY-NC-ND 3.0

Пластмасса также оказалась идеальной для работы Ласло Мохой-Надя, который был чрезвычайно заинтересован в демонстрации взаимосвязи между искусством, наукой и промышленностью. Гибкость пластика и возможность обработки для получения вогнутых и выпуклых форм привели его к использованию целлулоида, ацетатов целлюлозы, затем бакелита, галалита и, наконец, плексигласа для реализации трехмерных деталей, состоящих из пластиковых листов, формованных, перфорированных и, в конечном итоге, освещенных светом. скрыто внутри.Но самым амбициозным достижением Мохой-Надь был, пожалуй, Light Space Modulator : машина, приводимая в действие электродвигателем, создающая неожиданные визуальные эффекты благодаря взаимодействию света, объемов и прозрачности.

Ласло Мохой-Надь, Свето-Космический Модулятор , 1930 г.

Неудивительно, что художники, открытые для инноваций, использовали новые синтетические полимерные соединения с момента их появления и доступности: можно было легко избежать дорогих и трудоемких традиционных техник и в то же время представить новое восприятие пространства и времени через формы и объемы. состоит не только из материала, но также из пустоты и света.
Со второй мировой войной новаторский этап использования синтетических материалов подошел к концу, и пластик постепенно стал частью повседневной жизни.

С 1950-х по настоящее время

Одним из первых значимых переживаний после войны стал итальянский художник Альберто Бурри, который нашел в материальности обожженного пластика способ выразить травму насилия, перенесенную как лично, так и коллективно. Под его руками пластик потерял свою обнадеживающую промышленную гладкость и вместо этого использовался для изображения тревожной красоты беспокойного живого организма, сопровождаемой рубцовой поверхностью разрушения и разложения.

С 1960-х годов использование пластика в скульптурах и инсталляциях становится все более распространенным: художники всех жанров исследовали выразительный потенциал пластика во всех его формах, от акриловых и эпоксидных смол до полиуретана и полиэстера. ПВХ, новинка 1960-х годов в мире пластиковых изделий, сразу же привлек внимание Кристо и Жанны-Клод и оказался идеально подходящим для их пакетов .

Удивительно, как каждый художник, кажется, нашел синтетический продукт, который лучше передал суть его или ее эстетических и художественных изысканий.Для работы французского художника Сезара лучшим пластиком оказался пенополиуретан, своего рода пена, которая кристаллизуется при контакте с воздухом и значительно увеличивает свой объем.
Свобода, связанная с огромными выразительными возможностями этого синтетического материала, стала предметом событий, которые сделали Сезара известным во всем мире: его публичные Расширения привели его из Парижа в Лунд, затем в Мюнхен, Монтевидео и Рио-де-Жанейро, Лондон. , и Рим. Он заявил: «Когда вы видите мою работу, вы понимаете, что она чисто физическая, инстинктивная, но за ней также стоит человек с мозгом.(…) Именно прикосновение приводит в движение всю механику скульптора: это материал, который направляет воображение».
Тот же пенополиуретан, хотя и в несколько иной форме, также был необходим Пьеро Джиларди и его точному, хотя и мягкому, воспроизведению природных сценариев. В то время как Карло Рама использовал резину велосипедных шин в качестве среды.

Сезар публично исполняет Expansion .

В те же годы по ту сторону Атлантического океана эклектичная группа художников начала внедрять в свои работы новейшие технологии инженерной и аэрокосмической промышленности Южной Калифорнии для создания чувственных, наполненных светом объектов, раскрывающих свет, пространство и энергию. послевоенной Южной Калифорнии.Это слабо связанное движение под названием Свет и Пространство , но также иногда называемое Калифорнийский Минимализм или даже Finish Fetish Art , сделало восприятие зрителем феноменов восприятия — света, объема и масштаба — в центре его работы. . В противовес абстрактным экспрессионистам, правившим Нью-Йорком, эти художники переосмыслили эстетические идеалы минимализма и оп-арта, но наполнились глянцевой атмосферой Южной Калифорнии.

В группе Крейг Кауфман провел смелые эксперименты по формованию промышленного пластика для создания эфирных настенных скульптур, вдохновленных пластиковой упаковкой, которая все чаще используется для упаковки товаров, а также рельефами из вакуумного формования пластика в роскошных цветах.
В то время как Мэри Корс получила раннее признание за серию белых монохромных конструкций из неоновых трубок, заключенных в узкие коробки из плексигласа, прежде чем перейти к своим самым известным излучающим поверхностям со стеклянными микросферами, встроенными в акриловую краску.

Крейг Кауфман, Без названия , 1967 © ARS, NY и DACS, Лондон, 2020. C-BY-NC-ND 3.0

Питер Александер выбрал смолу в качестве своей фирменной среды, материал, хорошо знакомый художнику со времен его опыта серфинга: «Когда я начал работать со смолой, это был пластик.В те дни искусство не было сделано из пластика. Искусство было сделано из всего того, из чего, по словам истории, сделано искусство. Так что одна из причин, по которой мне нравилась пластика, заключалась в том, что она была своего рода антиискусством». Прежде чем перейти к рисованию и рисованию из-за токсичности своего исходного материала, Александр создал полупрозрачные объемы с гладкими поверхностями, кубами и клиньями, цвет которых тускнеет в зависимости от того, где стоит зритель, точно так же, как океан выглядит, когда встречается с водой. континент.

Те же самые полиэфирные смолы, которые составляли безупречные минималистские тома Александра, также привлекли внимание художников, принадлежащих к другому совершенно новому жанру, Гиперреализм . Наряду со стекловолокном синтетическая смола фактически является основным компонентом драматической и неотразимой банальности скульптурных фигур Дуэйна Хэнсона и обнаженных тел Джона Де Андреа, вплоть до более поздних гигантских искаженных фигур Рона Муека и навязчивых деталей работ Марка Сиджана. .

Совершенно новое новшество в использовании пластика было сделано Тони Крэггом в его 1981 году Британия, вид с севера : яркая, семиметровая мозаичная карта материка, составленная из собранных пластиковых предметов, некоторые сломаны, некоторые нетронутый; слева фигура, изображающая самого Крэгга, живущего в Германии, наблюдающего за своей родиной как бы глазами постороннего.Художник, побывавший в Британии и прочувствовавший социальные и экономические трудности страны, уже не рассматривал пластику как новаторский первичный материал, а как отбросы, символизирующие кризисное общество.

Подход Рэйчел Уайтред в ее знаменитой работе НАБЕРЕЖНАЯ , заказанной для Турбинного зала Тейт Модерн в Лондоне, частично напоминает минималистскую пространственность, но с интимной интенсивностью. Эта работа монументального масштаба соответствует изображению художником знакомых предметов быта в вызывающей и неожиданной форме.Вдохновленный старой, изношенной картонной коробкой, найденной в доме ее матери, стопки из 14 000 полупрозрачных белых полиэтиленовых коробок, сложенных одна на другую, образуя правильные или беспорядочные объемы, некоторые из которых достигают высоты двенадцати метров, создали ошеломляющий лабиринт для посетители проходят.

Рэйчел Уайтрид, , НАБЕРЕЖНАЯ , 2005 г. CC BY-NC-SA 2.0

В заключение отметим, что одной из последних тенденций является самореференциальное использование пластика для привлечения внимания к темам, связанным с экологией, таким как загрязнение окружающей среды и изменение климата.
В 2017 году перед лондонским Национальным театром скульптор Джейсон деКайрес Тейлор в сотрудничестве с Гринпис представил паблик-арт инсталляцию Plasticide , изображающую семейный пикник на пляже, зараженном пластиковым загрязнением. Часть произведения искусства была создана из микропластика, собранного на побережье Лансароте, Канарские острова, чтобы призвать потребителей, политиков и производителей упаковки сократить использование пластика; в то время как французский фотограф Ален Делорм тщательно упорядочил каллиграфические фигуры, состоящие из тысяч пластиковых пакетов, чтобы воспроизвести в цифровом виде поэтический природный феномен мурмурации, заключающийся в скручивании, переплетении и волнообразных скоплениях, создавая колеблющуюся сетку.

Заметка о сохранении

Как это ни парадоксально, но пластик, который обычно считается материалом с наибольшим риском загрязнения окружающей среды, поскольку он неопределенно долго остается твердыми отходами, в мире искусства иногда считается непостоянным и непригодным для художественного использования, поскольку его легко изменить. Дело в том, что эти материалы были разработаны для использования не только в искусстве, но долговечность, необходимая для произведения искусства, намного превышает долговечность предметов одноразового бытового назначения.С течением времени пластмассы желтеют, тускнеют или темнеют, а также трескаются, деформируются и рассыпаются, ухудшаясь постоянно меняющимся и непредсказуемым образом. Более того, один и тот же тип материала, произведенный в разное время, может проявлять разную устойчивость к старению, поскольку совершенствование технологий производства обеспечило рынок продуктами все более высокого качества, поэтому различное происхождение с точки зрения производства или возраста может вызывать очень разные поведения.

Следовательно, современное искусство требует чрезвычайно высокого уровня технических знаний, и художники должны осознавать риски, с которыми они сталкиваются при использовании определенных техник или материалов, как с точки зрения продолжительности их работы, так и с точки зрения их здоровья.
Сезар манипулировал большими количествами опасных веществ в течение нескольких лет, пока ему не пришлось остановиться из-за причиняемого ими вреда; в то время как для Дуэйна Хэнсона реализация его скульптур из стекловолокна без принятия необходимых мер предосторожности привела к смертельной для него болезни.

В конце концов, история синтетических материалов настолько недавняя, что трудно предсказать, что принесет будущее; если сегодняшние реставраторы впитывают знания предыдущих поколений о текстиле, бронзе, бумаге, мраморе и масляных красках на холсте, то сохранение пластика — это совершенно новая и иная задача, и сознательный подход — единственный способ сохранить искусство нашего века для будущие поколения.

Соответствующие  источники, чтобы узнать больше

Деградация пластиковой скульптуры Наума Габо: катализатор для мастерской
Эти культурные сокровища сделаны из пластика. Теперь они разваливаются

Бразилец создает произведения искусства из пластиковых пакетов

САН-ПАУЛУ, 31 мая (Рейтер) — Бразильский художник Эдуардо Срур воспроизводит работы известных мастеров без капли краски — просто переработанные клочки пластика, собранные с городских улиц и рек.

Для своей последней выставки он скопировал Пикассо, Ван Гога, Моне и Уорхола, чтобы привлечь внимание к загрязнению, вызванному накоплением пластиковых отходов.

«Эти работы останутся на века в истории человечества, как и пластик, который мы сбрасываем в природу», — сказал он в своей мастерской в ​​Сан-Паулу.

Зарегистрируйтесь прямо сейчас и получите БЕСПЛАТНЫЙ неограниченный доступ к Reuters.com

Зарегистрируйтесь

Бразильский художник Эдуардо Срур складывает кусочки полиэтиленовых пакетов в коробку, чтобы воссоздать знаменитые картины в рамках своей новой серии «Пластмассовая природа» в своей студии в Сан-Паулу. Бразилия, 27 мая 2021 г.Снимок сделан 27 мая 2021 года. REUTERS/Amanda Perobelli

Подробнее

Премьера шоу Срура «Natureza Plástica» («Пластическая природа») состоится в Сан-Паулу во второй половине 2021 года. осведомленность об окружающей среде, создавая огромные инсталляции в общественных местах по всему Сан-Паулу, часто вдоль сильно загрязненных рек города.

Во время пандемии коронавируса Срур вернулся в студию, где вместо кистей для рисования пинцетом работал с цветным пластиком через отверстия в доске, формируя изображения.

«Сегодня пластик доминирует над всем и всеми, поэтому в этой серии я создаю произведения искусства, в которых нет ни краски, ни клея, а только кусочки пластиковых пакетов, которые в конечном итоге создают изображение, которое вы видите», — сказал он.

Зарегистрируйтесь сейчас и получите БЕСПЛАТНЫЙ неограниченный доступ к Reuters.com

Зарегистрируйтесь

Репортаж Пабло Гарсии; Написание Энтони Бодла; Под редакцией Розальбы О’Брайен

Наши стандарты: Принципы доверия Thomson Reuters.

Мнение: даже произведения искусства из пластиковых кораллов не могут пережить изменение климата

В то время как мировые лидеры колеблются о том, как бороться с изменением климата, жуткое эхо разрушительной силы глобального потепления разыгрывается в проекте, созданном как художественный ответ на этот апокалипсис. Даже искусство может быть уничтожено токсическим воздействием наших безудержных выбросов углекислого газа. Эвен пластик арт.

В 2005 году, примерно в то время, когда ученые обнаружили, что аномальные закономерности обесцвечивания кораллов связаны с повышением температуры океана, мы с сестрой начали вязать крючком симуляции живых рифов. Это была встреча искусства с наукой и экологической катастрофой, происходившая через ремесло, на котором мы выросли. Вязание крючком не было произвольным выбором, поскольку вычурные зубчатые формы настоящих коралловых организмов являются биологическим проявлением гиперболической геометрии — математической структуры, которую легко эмулировать с помощью вязания крючком.

К нашему удивлению, наш «Коралловый риф вязания крючком» превратился в общественный художественный проект, распространенный по всей планете, в котором сейчас участвует почти 20 000 участников вязания крючком в 50 городах и странах, почти все женщины. Мы работали с ремесленниками над созданием рифов крючком в Лондоне, Нью-Йорке, Чикаго, Мельбурне, Абу-Даби, Латвии и многих других местах. Шерстистые рифы в настоящее время ведутся в Германии и Канаде, а также в штатах Нью-Йорк и Северная Каролина. Но именно в Финляндии недавно разыгрались силы разрушения.

В рамках Хельсинкской биеннале в этом году нас пригласили работать с горожанами, и в ней приняли участие 3000 финнов. Во время карантина из-за COVID-19 многие люди во всем мире обратились к ремеслам как к успокаивающей силе, а вязание крючком кораллов также предлагает целенаправленный ответ на разрушение окружающей среды. Как живые рифы создаются миллионами или миллиардами крошечных коралловых полипов, так и наши рифы создаются тысячами вязальщиц, работающих вместе. И биологические, и искусственные рифы иллюстрируют силу масштабного сотрудничества.Большой Барьерный риф, который послужил источником вдохновения для нашего проекта, является крупнейшим живым существом на Земле и одним из немногих организмов, видимых из космоса.

Деталь пластикового вязаного крючком коралла.

(©Institute for Figuring by Margaret Wertheim)

Помимо вязания крючком из пряжи, мы попросили финнов использовать пластик. Мы с сестрой вплетаем пластик в кораллы с тех пор, как в 2006 году узнали об ужасах Большого тихоокеанского мусорного пятна. Какая ирония в том, что по мере исчезновения живых рифов в океане образуются гигантские завитки пластикового мусора, словно своего рода синтетические замена шла.

Сейчас трудно купить что-либо, не упакованное в пластик. Помните те месяцы пандемии, когда мы запасались туалетной бумагой, каждая большая упаковка была завернута в прозрачную пластиковую мембрану? Эта эмблема вирусной инфекции стала отличительной чертой хельсинкского проекта, когда местный организатор рифов Лотта Кьельберг обратилась к производителю туалетной упаковки по поводу возможных побочных продуктов.

Когда пленка для упаковки туалетной бумаги скатывается с производственной линии, от края отрезается полоса шириной в дюйм, что делает ее идеальным материалом для вязания крючком.Двести килограммов хлама доставили в мусорном контейнере прямо к двери Кьельберга. В ходе трудоемкого акта религиозной переработки она раздала его по Хельсинки библиотекам, ремесленным магазинам, общественным центрам, школам и учреждениям для пожилых людей. Обладая элегантным голубовато-фиолетовым оттенком и усеянным бледными вкраплениями чернил, его доступность в таком количестве позволила создать огромное количество пластиковых кораллов согласованного цвета. Лучшего сценария мы и пожелать не могли.

Во время моего первого за 15 месяцев пребывания в Хайленд-парке в мае я прилетела в Хельсинки, чтобы поработать с командой местных женщин, чтобы превратить тысячи отдельных вязаных крючком изделий в крупномасштабные скульптуры.Наряду с фиолетовым и белым на упаковке из туалетной бумаги были сверкающие черные кораллы с видеопленки, а также другие красные, желтые и синие кораллы, сделанные из галстуков для упаковки подарков, продуктовых пакетов и различного синтетического мусора. Все из переработанного материала.

Четыре произведения искусства, получившиеся в результате, стали великолепным свидетельством общественного искусства. Великолепные, абсурдные, пышные формы, полные жизни, — вместе они образовали фальшивую экологию, реабилитировавшую хлам женским ремеслом.

Но летом Финляндия пережила один из самых жарких и влажных периодов за всю историю наблюдений.Дальше на север ледяной щит Гренландии тоже был залит дождем — неслыханное явление — в Гренландии 90 258 никогда не бывает 90 259 дождей — и зловещий признак того, что в нашей атмосфере высвобождаются силы.

На биеннале большинство произведений искусства были выставлены на острове недалеко от Хельсинки в серии потрясающих заброшенных укреплений. К сожалению, в номерах появилась плесень. У других артистов проекторы сгорели, звуковые системы вышли из строя, с видеоэкранов капала слизь. Но это были решаемые проблемы.Для кораллов последовала более постоянная трагедия.

Капли плесени расцвели на пьедесталах и основаниях работ. Возможно, он проник и в петли для вязания крючком. Теперь, вместо того, чтобы путешествовать по другим выставкам, этих прекрасных монстров пришлось уничтожить.

Искусство подражало жизни. Даже связанные крючком пластиковые морские существа не могут противостоять последствиям нефтехимического колдуна человечества. Убитая изменением климата, эта уникальная колония хельсинкских кораллов исчезла, вторя судьбе своих живых собратьев, которые вскоре также могут стать просто воспоминаниями.

Маргарет Вертхейм — научный писатель и художник. «Коралловый риф крючком», созданный совместно с Кристин Вертхайм, был выставлен на Венецианской биеннале 2019 года и на многих других международных площадках. crochetcoralreef.org

«Пластиковая семья» Искусство, созданное из загрязнения океана

Если вы прогуляетесь в ближайшие несколько дней по пляжам Сан-Себастьяна «Ла Конча» или Биаррица, вы можете встретить особую семью. Семейство пластмасс, созданное Panthalassa  , призвано сделать видимым огромное количество отходов, которые ежедневно попадают в море.«Если бы море могло видеть нас, оно увидело бы нас как пластиковых существ. Наши моря являются местом назначения более 8 миллионов тонн пластика в год». Эта впечатляющая цифра вдохновила ее основателя и креативного директора Серджио Пенцо стать партнером Ребекка Кудела  и создать инсталляцию «Пластиковая семья».

 

 

Каждая семья в Испании и Франции производит в среднем 145 кг пластиковых отходов в год.Большая часть его уходит в океан, тот самый океан, которым эти семьи наслаждаются летом во время пляжного отдыха. Признание себя источником проблемы — это первый шаг к изменению наших привычек, поэтому мы создали типичную семью, которая обнажает эту реальность и ставит нас перед пластическим кризисом, отражением, которое сегодня необходимо. В Panthalassa мы верим, что искусство способно привлекать внимание и в то же время посылать сообщение, которое находит отклик и сохраняется с течением времени.

 

 

«Пластиковая семья» была создана из пластиковых отходов, собранных на главных пляжах испанской и французской Страны Басков в течение августа. Вместе с ними мы «одели» семью, которая в последнюю неделю августа и сентября будет находиться на одних и тех же пляжах, чтобы привлечь внимание прохожих к большой ответственности, которую мы несем в наших повседневных решениях по сокращению, переработке и повторному использованию. Например, избегать покупки или использования одноразового пластика.

 

 

Этот проект был задуман Серджио Пенцо, а его разработкой руководила Ребекка Кудела, калифорнийский дизайнер из Биаррица. Было приятно видеть, как этот проект мотивировал друзей, родственников и даже отдыхающих, которые спонтанно присоединились к задачам по сбору пластика.

 

 

В настоящее время в мире ежегодно производится 300 миллионов тонн пластиковых отходов.Это почти эквивалентно весу всего человечества, и половина этого пластика предназначена для одноразового использования. Эти данные предоставлены Программой ООН по окружающей среде ( UNEP ). По оценкам исследователей, с начала 1950-х годов было произведено более 8,3 миллиарда тонн пластика. Из них только 9% были переработаны, около 12% сожжены, а остальные 79% не переработаны. Он попал в окружающую среду (свалки, мусорные свалки и океаны).В следующем десятилетии в наших океанах будет примерно один килограмм пластика на три килограмма рыбы. Через так называемый микропластик в нашу пищевую цепочку попадают мелкие пластиковые частицы диаметром до 5 мм, которые попадают в организм рыб. Если нынешние тенденции сохранятся, к 2050 году в наших океанах пластика может быть больше, чем рыбы.

 

Panthalassa — это платформа, объединяющая творцов, любящих море и поставивших перед собой задачу создавать и распространять истории, привлекающие внимание о хрупкости и красоте наших океанов.«Plastic Family» — их первый проект с тех пор, как в июле прошлого года они открыли галерею и совместное пространство «Blue Factory» со штаб-квартирой в Сан-Себастьяне.

 

Подробнее о нашей работе: Panthalassa.tv

De Stijl — The Modern Plastic Art Movement

Вся живопись — живопись прошлого и настоящего — показывает нам, что ее существенными пластическими средствами были только линия и цвет. » Поскольку вы, вероятно, знаете хотя бы некоторые из его работ, само собой разумеется, что художник имел в виду это буквально. Однако мы не собираемся сводить эту статью к одному предложению, так как это помешало бы вам узнать красивую историю о искусство и его сила, рассказанная языком стиля, который из-за своей мнимой жесткости казался наименее «поэтичным» из всех. De Stijl, что амбициозно означает Стиль , был задуман в 1917 году в Нидерландах. группы художников, которые сосредоточились на идее понять чистоту формы и реальность природы, предположительно затемненную фигурацией.Имея в виду время его инаугурации, должно быть ясно, что это стремление переопределить или даже заново изобрести реальность исходит из чувства тревоги и разочарования, вызванного Первой мировой войной. Они считали, что в жизни должно быть что-то большее, чем то, что подают, но в визуальном плане это «нечто большее» на самом деле достигалось за счет сокращения и упрощения, а не приукрашивания.

Точно так же, как кубисты обладали способностью видеть вещи сквозь комбинированные абстрактные формы, а футуристы видели единое движение на всех его стадиях, протагонисты «Де Стиля» — особенно художники — были склонны понимать природу как совокупность отношений, а не чем реальные физические формы.

Этот «стиль», а точнее направление мысли, называется Неопластицизм — новое пластическое искусство , имевшее целью разработать универсальный язык, постепенно породивший модернизм. Их визуальное выражение было радикализировано самоизобретенным словарем, который функционировал в соответствии со своей собственной системой, состоящей из ортогональных линий и основных цветов как самых основных инструментов невербальной коммуникации. Эти элементы иногда ошибочно интерпретируются как формы, которыми они, очевидно, и являются, но это не то, что они призваны представлять.Идея заключалась не в том, чтобы многократно рисовать красные, белые, синие и желтые прямоугольники, обведенные черными линиями, чтобы обсудить их простой внешний вид, а в том, чтобы запечатлеть ощущения, которые приходят через наши глаза, и перевести их в область познания. Иными словами, искусство Мондриана не о красном и синем, а о красноте красного, голубизне синего, которые нельзя спутать одно с другим, и об эмоциях, которые создает их сопоставление. Таким образом, Де Стиль был чем-то вроде рассказа истории или даже написания стихов с использованием визуальных подсказок, которые некоторые из нас не в состоянии созерцать даже в наши дни.И даже когда история закончилась в 1933 году , отчасти из-за безвременной кончины Тео ван Дусбурга, а отчасти из-за социально-политической ситуации в будущей нацистской Германии, ее наследие осталось, предвещая характер 20-го века. как мы знаем это сегодня.

Корнелис ван Эстерен и Тео ван Дусбург, Hotel Particulier, 1923 г., и чертеж контрконструкции на заднем плане, 1924 г.

История архитектуры De Stijl

Поскольку название группы было буквально Стиль , неудивительно, что это был тотальный стиль.Помимо живописи и скульптуры, он оказал значительное влияние на книгопечатание, архитектуру и дизайн, а в какой-то момент даже на музыку. Однако все эти жанры находились под сильным влиянием живописи, что несколько логично, учитывая, что живопись можно было считать основой для других медиа. Архитектура De Stijl , конечно, не была исключением, но, поскольку строительство занимает больше времени, чем покраска, примеров, которые полностью придерживаются принципов De Stijl, не так много. На самом деле, единственный дом, который предположительно спроектирован так, чтобы соответствовать всем положениям манифестов De Stijl, — это Schröder House Геррита Ритвельда, который был одним из самых известных членов группы наряду с художниками Питом Мондрианом и Тео ван Дусбургом.Но даже несмотря на то, что идеи Де Стейла об архитектуре не были освоены в рамках работы группы во время их существования, они являются частью более широкой картины , которую мы сегодня знаем как современную архитектуру. Часто подчеркивается, что De Stijl был важен для развития международного стиля, поскольку оба они основаны на идее «универсального языка», которая, по-видимому, является ключевым моментом De Stijl и одним из его самых ценных даров миру. Современный мир.

JJP Oud — Cafe de Unie, Роттердам, план фасада

Определение архитектуры De Stijl — на пути к тотальному модернизму

Антииндивидуалистические принципы , которые все члены De Stijl стремились воплотить с помощью средств «элементарного» пластического выражения, присутствовали и в архитектуре, а это означает, что здания проектировались с осознанием очищенной, универсальной формы .Одна из вещей, которая отличает архитектурное выражение от живописи, — это существование третьего измерения, благодаря которому горизонтальные и вертикальные элементы перекрываются на одних планах и расходятся на других, поэтому, хотя фасады часто напоминали картины Мондриана, композиция располагалась в пространстве. Другое дело, конечно, полезность, которая представляет собой вторую по важности характеристику архитектуры De Stijl. Поскольку Де Стийл был одним из пионеров основанной на Салливане практики «форма следует за функцией» , большая часть того, что вы знаете о современной архитектуре, применима и к архитектуре Де Стейла. Однако этому предшествовали проекты Фрэнка Ллойда Райта, чье влияние на Де Стейла в значительной степени помогло сформулировать эту архитектурную форму. Другое важное влияние исходит от Хендрика Петруса Берлаге , выдающегося голландского архитектора, чьи работы часто рассматриваются как промежуточный этап между традиционализмом и модернизмом в Нидерландах.

Дом Шредера от Геррита Ритвельда

Основные цвета и формы как новый язык

Помимо того, что сторонники неопластицизма были решительно настроены на необходимость переформулировать архитектурную форму и избавить архитектуру от орнамента , сторонники неопластицизма также были настроены на цветовую схему.Только синий, красный и желтый использовались для выделения определенных элементов дизайна De Stijl, в остальном поверхность окрашивалась в белый, серый или черный цвет (бесцветные). Это было применительно как к фасаду, так и к интерьеру здания , а также, очевидно, к дизайну мебели. По этому поводу Ганс Рихтер, один из молодых членов De Stijl, известный своим вкладом в «абстрактное кино», писал:

. Следует снова и снова подчеркивать, что искусство — это не субъективный взрыв личности, а органический язык человека, имеющий самое серьезное значение; поэтому он должен быть как можно более свободным от ошибок и максимально кратким, чтобы действительно использоваться как таковой: как язык человечества.Для этого нового искусства совершенно необходимо располагать определенными элементами. Без них может быть создана (наиболее привлекательная) игра, но не язык.

Заявления, подобные этому, и общий подход De Stijl сделали его уязвимым для многочисленных (неверных) интерпретаций. Как и большинство движений в современном искусстве, Де Стиль боролся за поиск равновесия между исключительностью или даже экстремизмом и защитой универсальности и глобального равенства.

Дж. Дж.П. Уд — Weissenhof Reihenhäuser, Штутгарт, 1927 г.

Архитекторы De Stijl и их наследие

Три имени почти мгновенно ассоциируются с архитектурой De Stijl: Gerrit Rietveld , вышеупомянутый автор Schröder House, J. J.P. Уд , который придумал красивый термин «поэтический функционализм», и Роберт ван ‘т Хофф , чья вилла Хенни была одним из первых модернистских домов, когда-либо построенных , в 1914 году. Вилла Роберта ван’т Хоффа была также самой первый дом, построенный из железобетона, что в основном изменило направление развития архитектурного проектирования.Все трое также были известны своим промышленным дизайном, тогда как красно-синий стул Ритвельда , возможно, является одним из самых знаковых предметов мебели, когда-либо созданных. Интересно, что он был сделан в том же году, когда стиль был официально объявлен (1917). Многие художники Де Стейла, но особенно архитекторы, нашли подходящее окружение для своей деятельности в Веймаре, среди кругов Баухауза в 1921 . Две группы были очень похожи во многих аспектах, и их взаимное влияние дало значимые результаты как для Баухауза, так и для Де Стиля.

Интересно, что двое из этих выдающихся архитекторов, Оуд и ван ‘т Хофф, добились значительных успехов в первые годы жизни Де Стейла, но в 1920-е годы они оба решили пойти разными путями. Уд спонтанно решил уйти в 1921 году, но продолжал работать в том же духе вплоть до 40-х годов, когда его осудили за предполагаемое возвращение к орнаменту. Тем не менее, Уд по-прежнему считается одним из самых важных модернистских архитекторов . Отставка Роберта ван ‘т Хоффа была гораздо более окончательной, поскольку он решил покинуть группу в 1922 году и стал самопровозглашенным бывшим архитектором, что ознаменовало его окончательный разрыв с дисциплиной и любым видом художественной деятельности.Позже он стал участвовать в анархической деятельности.

Совет редактора: Де Стиль и голландский модернизм (Critical Perspectives in Art History MUP)

Основанный в Нидерландах в 1917 году журнал под названием De Stijl принадлежал журналу. Сегодня мы используем его для определения очень специфической художественной группы, которая соединила абстрактную и функциональную архитектуру через работы ее основных представителей: Мондриана, Ван Дусбурга, Ван дер Лека, Уда, Уилса и Ритвельда. В этой книге впервые делается акцент на местном контексте Де Стейла и исследуется его связь с самобытным характером голландского модернизма.Рассмотрена связь между спорами об абстракции в живописи и пространственности в архитектуре, а также современные разработки в области градостроительства, рекламы, дизайна интерьеров и выставочного дизайна. С исторической точки зрения книга исследует отношения и взаимодействие между миром массовой культуры и изобразительного искусства.

Schröder House от Геррита Ритвельда, обеденная зона

Мондриан и его теория абстрактного искусства

У нас есть « ностальгия по универсальному » , — писал Пит Мондриан .« Эта ностальгия должна породить совершенно новое искусство ». Эта точка зрения на поиски новой формы художественного выражения была отмечена в искусстве 20-го века и основных авангардных движениях , возникших в этот период. Имея это в виду, мы должны учитывать важность, которую оставил Мондриан; не только в его наследии картин и концепций дизайна, но, что более важно, как в одном из художников-метафизиков нашего времени, мы должны признать его взгляды на художественный язык и его философские размышления. Как один из основателей голландского стиля De Stijl , художник был признан за чистоту абстракции и методическую практику, с помощью которой он к ней пришел. Резкая редукция и простота его неизобразительного искусства, которое он назвал неопластицизмом , скрывает более мистический подход к миру . Картины Мондриана отражали то, что он видел как духовный порядок, лежащий в основе видимого мира, и как таковое его искусство необходимо рассматривать как символ, возможно, лучше сказать, как знак универсального эстетического языка.

Пит Мондриан — Вечер, красное дерево. Изображение с wikimedia.org

Ранняя фаза творчества Мондриана

Пит Мондриан и его современники боролись с прошлым, и этот бунт продолжался еще долго после первоначального акта самоосвобождения, чтобы поднять тревогу против традиции. Тем не менее, его ранние картины, на которые повлиял выбор сюжета и подход к цветам, навязанный импрессионизмом, и, что более важно, мастерами постимпрессионизма, такими как Винсент Ван Гог и техника живописи Жоржа Сёра, демонстрируют некоторую степень абстракции, но они большинство случаев отмечены как натуралистические и подпадают под категорию пейзажных картин.

Ранние пасторальные картины его родной страны, Нидерландов, изображают ветряные мельницы, поля и реки, а также помогают проиллюстрировать различные влияния ряда художественных течений, таких как пуантилизм и фовизм, которые оказали на Мондриана. Это его картина Вечер: Красный Дерево , которая, кажется, предполагает его более позднее развитие в направлении геометрической абстракции и использование им основных цветов . Эти серии полотен с 1905 по 1908 год, изображающие смутные сцены деревьев и домов, отражающихся в стоячей воде, перекликаются с идеями Мондриана и акцентом на форме над содержанием .Хотя эти картины все же решительно укоренены в природе, для всех нас, знакомых с более поздними достижениями художника, мы почти приучены искать и находить доказательства его будущей абстракции.

Слева: Портрет Пита Мондриана / Справа : Композиция №10, Пирс и океан. Изображения через www.pinterest.com

Слияние духовности и кубизма

Переезд в Париж в 1911 году положил начало стилю, который мы все признали как стиль искусства Мондриана.Сильный вызов линейной перспективе и упор на плоскостность поверхности, наряду с геометрическими формами и переплетением плоскостей кубизма , заметный в практике Пикассо и Жоржа Брака , почти сразу проявились в Творчество Мондриана. Но чем он отличался? Основное различие между Мондрианом и парижским авангардом заключается в том, что в своем искусстве Мондриан с самого начала пытался примирить или сплавить воедино искусство и мистическое .Его картины и его сочинения, которые отражали его теории об искусстве, духовности, философии, а также новый взгляд и выражение естественных универсальных законов, были с ним с самого начала. До приезда в Париж в 1908 году он вступил в Теософское общество, духовную организацию, основанную на учениях буддизма. Мондриан сказал:

Меня все время гонят на духовное. Благодаря теософии я понял, что искусство может обеспечить переход к более тонким областям, которые я назову духовной сферой.

Мистическое, интуитивное, универсальное, потребность достичь чистой гармонии, все это Мондриан пытался выразить в своих работах, которые постепенно становились все более и более абстрактными. То, что он стремился выразить, было духовной энергией и балансом сил, которые управляли природой и вселенной, и этому желанию мы обязаны упрощением природы горизонтальными и вертикальными линиями, которые представляли две противоположные силы: положительную и отрицательную, динамичное и статичное, мужское и женское.

Слева: Пит Мондриан — Композиция с красным, желтым и синим / Справа : Пит Мондриан — Композиция C. Изображения через piet-mondrian.org

Перспективы Мондриана и Де Стейла

В 1913 году Мондриан начал объединять свое искусство и свои теософские исследования в теорию, которая обозначила его окончательный разрыв с репрезентативной живописью. Также в это время художнику необходимо было вернуться домой, но разразившаяся Первая мировая война вынудила его остаться в Нидерландах во время жестоких конфликтов.Дома он встретил Барта ван дер Лека и Тео ван Дусбурга. Два художника также пытались достичь чистой абстракции, и совместные усилия положили начало De Stijl. Выступая за чистую абстракцию и урезанную палитру цветов, чтобы выразить утопический идеал всеобщей гармонии во всех искусствах, Де Стиль был главным авангардным движением, подчеркивавшим абстракцию. Они считали, что их видение современного искусства преодолеет культурные различия и станет общим языком, основанным на основных цветах и ​​плоскостности форм.За простыми геометрическими формами и линиями сетки скрывались метафизические идеи универсальных законов , которые Мондриан пытался объяснить в своей знаменитой публикации по абстрактному искусству Новая пластика в живописи . Пластика в названии и в названии нового вида искусства отсылала к новому способу изображения действительности, найденному на поверхности самого произведения искусства. Эта вновь обретенная абстракция и потребность в универсальном языке отразились в будущих названиях его картин, которые часто назывались и обозначались исключительно как «Композиции».

Именно благодаря его утопическим идеалам и пониманию изобразительного качества абстракции Мондриан считается одним из важных художников, которые помогли развитию современного искусства. Пока он был еще жив и даже после его смерти влияние его мыслей и картин было влиятельным. Почти сразу же на него ссылались Bauhaus , а позже в Minimalists конца 1960-х годов. Его картины продолжали развиваться, но оставались верными его взглядам на то, что природу и ее скрытые динамические силы лучше всего описывать с помощью линий, сеток и основных цветов.Там, где сходились линии, выражались магия и чистые силы природы.

Совет редактора: Мондриан: Искусство разрушения

В этом томе исследуется творчество Мондриана, одного из великих новаторов абстрактного искусства. Основное внимание уделяется анализу взаимосвязи его живописи и исповедуемой им теории искусства, а также его взглядам на жизнь, взятым из публичных и преимущественно неопубликованных писем. Более интуитивное, чем математическое, искусство Мондриана не было основано на рассуждениях или расчетах, поскольку художник всегда стремился обеспечить для него более широкий культурный и философский контекст.Важнейшим для мысли Мондриана было теософское представление об эволюции, которое требовало разрушения старого, чтобы освободить место для нового в жизни, обществе и искусстве.

Тео и Нелли ван Дусбург, 1923 год.

Известные художники De Stijl

Помимо членов-основателей журнала De Stijl, объявивших о появлении нового направления в искусстве, поиск законов равновесия и гармонии, применимых как к искусству, так и к жизни, за которые выступал De Stijl, привлек многих выдающихся художников и архитекторов. времени.Работа архитекторов, связанных с De Stijl, помогла создать международный стиль 1920-х и 1930-х годов . Предельная простота, абстракция и теория цвета Де Стейла повлияли на многих художников, от Макса Болла до Марка Ротко. Пит Мондриан , безусловно, самый известный художник, связанный с группой, но давайте посмотрим на других выдающихся имен, которые внесли большой вклад в эту группу.

Тео Ван Дусбург, источник

Тео Ван Дусбург

Познакомившись с работами Пита Мондриана, Тео Ван Дусбург увидел в этих произведениях идеал в живописи как полную абстракцию реальности.Вместе с Мондрианом и другими выдающимися деятелями будущего движения он основал в 1917 году журнал De Stijl . В качестве посла движения он продвигал его по всей Европе. Он создал множество абстрактных картин и спроектировал здания, украшения комнат, витражи, мебель и предметы домашнего обихода в упрощенной геометрической эстетике, которую отстаивал Де Стиль. Стиль, который подчеркивал тонкие сдвиги в тонах, наклонные геометрические формы и цветные прямые и несвязанные линии, стал его собственной версией Де Стейла под названием Elementarism .Разнообразие, которое он хотел внести в движение, привело к расколу с Мондрианом в 1924 году. Для него абстракция имела уникальное качество для достижения социального порядка и гармонии .

Вилмош Хусар, источник

Вилмош Хушар

Художник и дизайнер венгерского происхождения, Вилмош Хузар , жил в Нидерландах и был одним из отцов-основателей De Stijl. Он разработал обложку для первого номера журнала De Stijl и внес большой вклад в определение неопластизма многочисленными статьями.Во время участия в движении он создавал различные абстрактные работы, промышленные и коммерческие графические работы и сотрудничал с многочисленными проектами дизайна интерьера, например, для дома промышленника Бруйнзеля. Кроме того, он проектировал мебель с Питом Цвартом с 1920 по 1921 год. После начала Второй мировой войны он переехал в небольшой голландский город Хирден, где рисовал окружающий его пейзаж. С 1955 года он был сосредоточен на поиске чистого необъективного языка .

Ян Уилс, источник

Ян Уилс

Голландский архитектор Ян Вильс был еще одним одним из основателей De Stijl.Его дизайн имел гладкую форму с акцентом на горизонтальные и вертикальные линии, но также был очень живым и органичным . Одной из его самых заметных работ является олимпийский стадион для летних Олимпийских игр 1928 года в Амстердаме, который также завоевал золотую медаль на олимпийском конкурсе искусств. Он работал над несколькими проектами с Ван Дусбургом до их разрыва в 1919 году, в том числе над реконструкцией ныне снесенного ресторана Dual Key в Вурдене. После проектирования жилого комплекса Папаверхоф в Гааге он глубоко заинтересовался проблемами городского жилья . Другими важными работами являются гараж Citroën и городской кинотеатр в Амстердаме, офис Mutual в Гааге и отель Bouwes в Зандвоорте.

Дж. Дж. П. Уд

Дж. Дж. П. Уд

Якобус Йоханнес Питер Оуд, обычно называемый JJP Oud , был голландским архитектором, который участвовал в движении в 1917 году. В период с 1918 по 1933 год он был назначен архитектором муниципального жилья в Роттердаме . Работал в основном над социально прогрессивными жилыми проектами . в Нидерландах он теперь наиболее известен своими замечательными работами по жилищным схемам в расширяющихся районах.Пытаясь примирить строгую и рациональную технику строительства с потребностями и эстетическими ожиданиями жителей, он практиковал «поэтический функционализм» . Таким образом, он считается пионером голландской функционалистической архитектуры . С 1932 года он считался одним из четырех лучших современных архитекторов наряду с Людвигом Мисом ван дер Роэ, Вальтером Гропиусом и Ле Корбюзье. Он отказался от влияния Де Стейла после Второй мировой войны, но продолжал бунтовать против господствующего модернизма.

Илья Болотовский

Илья Болотовский

Родившийся в России художник Илья Болотовский был учеником Пита Мондриана, внесшего значительный вклад в американскую геометрическую абстракцию . После полного принятия геометрических узоров Мондриана и палитры, ограниченной основными и нейтральными цветами, он стал соучредителем коллектива American Abstract Artist , который продвигал абстракцию и этих художников среди публики. Эти неопластические картины характеризовали его творчество на протяжении всей его карьеры.Он создал фреску для жилищного проекта Вильямсбург в Бруклине, которая была первой фреской, заказанной Федеральным художественным проектом. Он всегда подчеркивал роль интуиции над формулой в отношении своих композиций. Он также присоединился к коллективу художников The Ten вместе с Адольфом Готлибом и Марком Ротко, который выступал за новые формы абстракции и отвергал истеблишмент.

Геррит Ритвельд

Геррит Ритвельд

Голландский дизайнер мебели и архитектор Геррит Ритвельд был одним из ключевых членов De Stijl.Его самым известным произведением был Красно-синий стул 1917 года. Он стремился к простоте в своих проектах и ​​надеялся, что его мебель будет серийно производиться . После участия в движении De Stijl он начал выставляться по всему миру. Первым зданием, которое он спроектировал, был Rietveld Schröder House в 1924 году, который выглядел как трехмерная картина Мондриана и стал объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО в 2000 году. У него обычный первый этаж, но радикальный верхний этаж имел раздвижные стены, которые могли создавать и изменить жилые помещения.Покинув De Stijl в 1928 году, он начал проектировать здания в более функциональном стиле . Музей Ван Гога в Амстердаме, над которым он начал работать в 1934 году, был завершен после его смерти.

Жорж Вантонгерлоо, источник

Жорж Вантонгерлоо

Архитектор и теоретик рвов Жорж Вантонгерлоо сотрудничал в журнале De Stjil с другими ведущими деятелями движения. Он также был связан с абстрактной живописью и скульптурой .Часто пишу для журнала, он сформулировал свои теории об искусстве и роли художника , которые выявили его веру в абстракцию и предпочтение мистических и научных теорий и концепций. После переезда в Ментон во Франции он связался с художником и архитектором Максом Биллом, который организовал многие из его выставок. Там он разработал теорию цвета , в которой он заменил три основных цвета художников De Stijl семью основными цветами спектра. Для него искусство, наука и общество должны быть однородной социальной единицей и вместе приносить пользу миру.

Корнелис ван Эстерен, источник

Корнелис ван Эстерен

Архитектор Корнелис ван Эстерен познакомился с Тео ван Дусбургом в 1923 году и в том же году они создали манифест Строительный коллектив Vers une. Он сотрудничал с Яном Уилсом в его печально известном проекте и строительстве Олимпийского стадиона в Амстердаме. Он был одним из самых выдающихся градостроителей Нидерландов. Его работа была укоренена в социальном контексте . Его подход заключался в том, чтобы определить социальные проблемы, необходимые для пространственных решений.Несмотря на наличие определенной предвзятой формальной идеи, он всегда позволял ей расти и меняться в процессе работы. Его имя тесно связано с концепцией «функционального города» , которая была очевидна в Генеральном плане расширения Амстердама, который он разработал в 1929 году. На основе статистических прогнозов роста населения он рассчитал потребности в жилье для отдыха, занятости и движения.

Сезар Домела, источник

Сезар Домела

Став самым молодым членом группы в 1925 году, Сезар Домела В работе De styjl участвовало несколько медиумов.Из-за жестких правил он вышел из группы и включил диагональную линию, а затем и третье измерение. С тех пор его внимание было сосредоточено на трехмерных рельефах , в которые он часто включал кусочки плексигласа и металла, а также фотомонтажи и вырезки из газет. Он присоединился к группе Ring Neue Verbege stalter , основанной Швиттерсом, в которую вошли такие художники, как Лисицкий, Хартфилд, Мохоли-Надь и Ганс Рихтер. Он широко экспериментировал с типографикой и производил различные рекламные объявления в Германии.Он разработал обложки для различных анархических книг , но был вынужден уничтожить их все во времена нацистского режима.

Барт ван дер Лек

Барт ван дер Лек

Голландский художник, дизайнер и керамист Барт ван дер Лек был одним из отцов-основателей движения. С этого момента его стиль стал полностью абстрактным, но после разрыва с Мондрианом этот стиль был основан на репрезентативных образах . Он утверждал, что является отцом авангардного движения , и вспоминал свою первую встречу с Дусбургом: «Когда Дусбург заметил абстрактную картину прямо на мольберте, он воскликнул: «Если это будет картина будущего , пусть меня повесят прямо сейчас! Что ж, несколько месяцев спустя он рисовал именно в такой манере. Вот таким человеком был Дусбург. Никаких собственных идей. И обман в сделке». Его более поздние работы включали дизайн ковров, текстиль и керамику, а также применение цвета в архитектуре.

Де Стиль Влияние на искусство и дизайн

Суть De Stijl заключалась в том, чтобы найти новую форму искусства, которую можно было бы функционально применять в обществе. Упрощенная эстетика была сосредоточена на использовании основных визуальных элементов, таких как геометрические формы, горизонтальные и вертикальные линии, а также использование основных цветов наряду с черным и белым.Это сокращение и упрощение, как обсуждалось в части этой статьи, посвященной идеям Пита Мондриана, предполагало потребность и стремление к созданию универсального визуального языка, соответствующего современной эпохе, применимого как к изобразительному, так и к прикладному искусству. Частично реакция на декоративное излишество ар-деко, Де Стиль также возник в ответ на ужасы Первой мировой войны и из-за желания переделать общество. Для наиболее важных художников Де Стейла новообретенная простота, неопластицизм , была средством социального и духовного искупления.

Слева : Пример дизайна De Stijl, применимого для дизайна интерьера / Справа : Геррит Ритвель — Стул. Изображения через google.rs

Важность теории

Хотя художники Де Стейла не были первыми, кто практиковал абстрактное искусство, другие художники, возможно, в первую очередь Василий Кандинский, Казимир Малевич и Ганс Арп, ранее создавали необъективное искусство, Де Стейл продвигал свои взгляды на более чистую абстракцию в первом журнал, посвященный абстракции .Эта публикация, пропагандирующая функционализм и объединение всех форм искусства, представляет собой наиболее значительную работу графического дизайна . Журнал, издаваемый ван Дусбургом, пропагандировал философские взгляды группы, а знаменитый текст Мондриана «Неопластицизм в изобразительном искусстве » был специально одобрен.

Именно благодаря искусству Де Стейла и прочной связи между теорией, концепциями и идеями, продвигаемой Мондрианом, который вел дневники и часто записывал свои концепции, мы можем понять «скрытый» смысл, скрывающийся за сетками и геометрическими формами.Они выступали как символы, а желание прежде всего как инструмент, который отрывается от традиции и помогает перекроить новое общество. Эти утопические идеи легко трансформировались в школу Баухауза и философию . Чистое нерепрезентативное искусство, упрощенные линии и цвета картин Мондриана легко отсылались к эстетике школы. Эта простота, но, прежде всего, ориентация на функционализм, также пропагандировалась в прикладном искусстве, особенно в дизайне мебели. Знаменитый стул by Gerrit Rietveld был выполнен в том же неопластическом стиле или стиле De Stijl, который можно увидеть на картинах художников движения.Стул влияет как на функционализм, так и на практичность применения. В центре внимания группы, как обсуждалось выше, находились различные области искусства, такие как типографика, дизайн мебели, графический дизайн, и тесно следовала идея, выдвинутая английским дизайнером Уильямом Моррисом , о слиянии и разрыв иерархической системы между изобразительным и прикладным искусством.

Слева и справа: примеры типографского дизайна De Stijl

Типография и плакаты De Stijl

Из всех авангардных движений искусство Де Стейла оказало одно из самых непосредственных влияний на типографику .Принципы их нерепрезентативного искусства были применимы и использованы для формирования нового геометрического опыта письма. Необходимость заставить буквы заполнять форму квадрата вызвала множество деформаций и грубых искажений в алфавите , созданном Тео ван Дусбургом. Асимметрично сбалансированному макету типографики художника и дизайну плаката была придана гармония и контраст за счет сопоставления разной толщины букв с использованием черного и белого цвета, ортогональных линий, исключающих любые признаки самовыражения.

Так же, как производство изобразительного искусства было сосредоточено на порядке и равновесии, работы по графическому дизайну, включая упомянутый типографский дизайн, повлияли также на дизайн книг и плакатов. Авторами этого движения были созданы различные дизайны коммерческих плакатов. В 1919 году Барт ван дер Лек создал плакат для Delft Salad Oil Factory . На этом плакате фигура вместе с текстом была предложена очень простыми геометрическими формами с использованием только основных цветов. Очертания фигуры были полностью опущены, а разбросанные предметы описывали фигуру.Возможно, это один из самых интересных примеров коммерческого дизайна De Stijl. Трансформируя их представления о цвете, господство красного цвета, проявляющееся в различных примерах, объяснялось прежде всего символической силой цвета, тесно связанной с революцией, и его могучим действием с черным цветом.

Слева: Оригинальный дизайн логотипа De Stijl / В центре : Барт ван дер Лек — Дизайн плаката / Справа : Ван дер Лек, плакат Delf Salad Oil Factory. Изображения с сайта printcode.runemadsen.com; www.stedejlik.nl; zaidadi.wordpress.com

Наследие неопластицизма

Художники De Stijl глубоко верили в свое идеальное чувство порядка как ответ на травму Первой мировой войны. Под влиянием идеи глобализации вместо индивидуализма они пытались выражать свои идеи и создавать произведения искусства, одновременно мистические и функциональный. Простота их рисунков повлияла на многих последующих художников, таких как монохроматическая картина Ньюмана и Рейнхарда, в которых отсутствуют какие-либо признаки самовыражения.Плоская поверхность и манипулирование ею с помощью цвета и линий сетки отчасти связаны с рождением Op Art , движения, которое концентрировалось на динамике поверхности, создавая визуальные эффекты, предназначенные для запутывания глаз. Прогресс, достигнутый в работах по графическому дизайну, направленный на сведение объектов, букв и фигур к основным геометрическим формам, был отмечен также в типографике Баухауза, современном искусстве, дизайне и архитектуре. Из бунта против прошлого и чистого стремления к лучшему будущему художники этого движения изменили не только свое время, но и помогли определить искусство, которое мы знаем сегодня.

Совет редактора: De Stijl 1917-1931: голландский вклад в современное искусство

Существенный том о голландском движении современного искусства, De Stijl от HLC Jaffé, рассказывает историю стиля и группы, объясняя его практику и идеи, обрисовывая в общих чертах его утопическую идеологию, анализируя при этом особенности неопластической живописи, скульптуры, архитектура и дизайн. Автор отображает эволюцию художественного движения с момента его основания в 1917 году до появления одноименного журнала De Stijl.Том раскрывает философскую подоплеку художественной практики, отбросившей фигуральное и репрезентативное и ограничившейся чистотой формы и выразительности. Основные вертикальные и горизонтальные линии в сочетании с основными цветами составляют ключевые визуальные эффекты De Stijl, широко признанные как таковые даже сегодня.